STORIES WE DANCE INTERNATIONAL VIDEO DANCE

Ian Kaler, Austria/Germania, 17'

Durante una gita a cavallo con il padre, un ragazzo cade e non riesce a rialzarsi. Dallo spazio negativo del ricordo, il performer ripensa il proprio corpo ferito come un archivio aperto, per riflettere sul rapporto padre-figlio, sul peso delle aspettative, sulla possibilità di accogliere il fallimento. Dieci estati dopo quell’inverno, l’autore si rivolge a sé stesso adulto, e sceglie un finale possibile.

Leïla Ka, Josselin Carré, Francia, 15'

Undici donne si ribellano all’automatismo delle mansioni domestiche. I gesti quotidiani si tendono, si serrano, si trasformano in linguaggio condiviso. Senza parole, ma con forza crescente, il gruppo si fa corpo unico, ma non conforme, maldonne, aggettivo francese che qui – invece di indicare l’errore nella distribuzione delle carte da gioco – richiama il disordine creativo della nascente società femminile.

Caroline Monnet, Canada, 10'

Girato su pellicola per evocare l’estetica del cinema anni Venti, il film rilegge i codici della storia dell’arte europea per riflettere sulle realtà indigene di oggi e ricongiungere i corpi delle donne – segnati da secoli di controllo e violenza coloniale – al paesaggio urbano, familiare e immaginario.

Natalia Sardi, Belgio, 12' 15''

Uno scorcio intimo sulla trasmissione ereditaria tra madre e figlia, dove due paia di mani – una adulta, l’altra infantile – si incontrano, si ascoltano e si riconoscono nel tempo. Attraverso una partitura coreografica ispirata alle “musical scores” concepite da Louise Bourgeois a New York nel 1999, il gesto diventa linguaggio intergenerazionale, tessitura affettiva, forma di complicità. Il corpo in movimento custodisce la memoria, la trasforma, e la consegna come atto d’amore.

Daniel Gurton, Regno Unito, 11' 40''

Radicato nell’ibridazione tra teatro e videodanza contemporanea, il film inscena il trauma della violenza tra padre e figlia attraverso una grammatica coreografica costruita su un equilibrio sempre sul punto di spezzarsi. Mentre ogni oggetto si muove come parte di un sistema domestico di contrappesi perfetti, la verità emerge proprio in quell’istante sospeso, tra il movimento trattenuto e il rischio della caduta.

Kodac Ko, Johannes Malfatti,

Corea del Sud, 18' 42''

Tracce di vite differenti circolano e si intrecciano nello spazio anonimo di una metropoli globalizzata e disorientante. È Berlino o Seul? È il racconto della malinconia di chi è partito o della nostalgia di chi è restato? La schiena di una donna è rivolta al passato, le sue ali impigliate nel vento dichiarano che il progresso che ci circonda è tempesta. Quando le luci si riaccendono e si esce dalla sala, ci si accorge che nulla si è mai fermato.

Thomas Bos, Olanda, 11' 40''

Il viaggio non è un gesto innocente: è osservazione, attraversamento di memorie. Esponendosi al rischio di appropriazione culturale, dei break-dancers decostruiscono con leggerezza e ironia il mito del viaggio virile e coloniale. Criticano la ripetizione farsesca del passato o danno libero sfogo all’immaginazione senza curarsi delle conseguenze?

Madli Lääne, Estonia, 3'

Tra gli angoli e i vuoti architettonici del terminal crocieristico di Tallinn, un corpo si muove come perso nel labirinto del successo. Ispirato da una poesia di Joonas Veelmaa, campione europeo di poetry slam, YES! interroga i dettami dell’“achievement society”, mettendo in scena l’ottimismo crudele per come lo definisce la teorica Lauren Berlant: quel meccanismo per cui restiamo attaccati a sogni e promesse di felicità – successo, ricchezza, autorealizzazione – anche quando i mezzi per ottenerli ci logorano o ci rendono infelici.

Vincent René-Lortie, Canada, 15'

Un impiegato si imbatte nello sguardo muto e remoto di uno scimpanzé. Il suo quotidiano si inceppa, poi si decompone, resta in bilico tra la vertigine di un’animalità rimossa e l’emergenza di un doppio che nega le nostre convenzioni. Nello spazio metropolitano, non-luogo sospeso tra le cose, inizia così una trasformazione, che costringe lo sguardo e il corpo a ri-credersi.

João Sanchez, Portogallo, 9' 18''

Per catturare il fenomeno ottico della Fata Morgana, il mezzo cinema illude e distorce ciò che è distante, lo fa fluttuare. Mentre l’umano perde i suoi riferimenti, vive l’orrore della perdita delle coordinate, la danza si trasforma in fenomeno naturale perturbante.

Pipou Phuong Nguyen, Trang Ly,

Francia, 5' 45''

Una creatura attraversa i margini del sensibile in un viaggio surreale di metamorfosi. Tra paesaggi sonori inquieti e visioni ipnotiche, il corpo si dissolve in qualcosa di altro: né umano né animale, ma entrambe le cose insieme. Il film abita una soglia estrema, dove il sé ha già oltrepassato la natura e si è fuso con essa. La trasformazione è compiuta, noi siamo già dall’altra parte. 

Mark Chua, Li Shuen Lam, Singapore, 5' 39''

Girato con una febbrile combinazione di Super8 e 16mm, il film usa il mezzo stesso – e i capelli dei registi incollati sulla pellicola – per dare forma a un conflitto esistenziale e politico. Una visione scompigliata, in cui il pelo diventa trappola e liberazione, disciplina e resistenza, il corpo si ribella al sistema che lo contiene, e la carne stigmatizzata torna a essere superficie attiva di trasformazione e opposizione.

Sosi Chamoun, Svezia, 5' 35''

Cercando un modo per ripensare le logiche dell’autofiction, la regista si affida alla struttura dialettica dello split screen come dispositivo rivelatore: da un lato, la danza viva del presente; dall’altro, l’archivio sospeso della memoria. In un tempo stratificato e non lineare, l’eredità si inscrive nel gesto, tracciando un legame invisibile tra generazioni, ricordi e corpi che si cercano oltre ogni distanza.

Gregor Petrikovic, Stati Uniti, 2' 39''

Nella frenesia anonima della città, i corpi si muovono in cerca di qualcosa che non ricordano, ma che li abita da sempre: un contatto perduto, una totalità smarrita, l’altra parte di sé. Una danza per interrogare l’origine del desiderio, come in una riflessione simposiale della filosofia greca. E se il doppio non fosse solo un riflesso, ma una mancanza inscritta nel corpo stesso?

Roméo Lefèvre, Francia, 10'

Sopravvissuti a una contaminazione invisibile, gli esseri umani sono ritornati a uno stato di natura in cui i corpi si chiudono nel silenzio e nella diffidenza. Un uomo e una donna si incontrano inaspettatamente nella foresta. Tra sospetto e desiderio, l’unico linguaggio possibile è la danza. Fragile gesto di fiducia, riattiva una memoria del contatto umano, oltre la parola e la paura.

Gloria Frigerio, 3' 02''

Muovendo dalla recente scoperta di tre nuovi organi nel corpo umano, 100 Years + interroga la medicalizzazione del corpo attraverso immagini stratificate e originali sculture in ceramica degli organi stessi. Gli oggetti di scena innescano un’esperienza di contatto sensoriale con l’interno, in cui la malattia si fa soglia, il corpo campo di indagine tra conoscenza, presenza e opacità.

Chiara Marolla, Ivan Gasbarrini, 13' 20''

Nato come performance nelle strade di Roma con l’idea che ogni luogo possa farsi teatro, Ἅλϛ – Forms of life è un progetto coreografico in continua metamorfosi. Il video documenta una delle sue forme, traducendo il gesto performativo del rituale in linguaggio audiovisivo che alla sempre più arborescente spartizione del sapere – regimentato, controllato – cerca di rispondere rivitalizzando le radici genealogiche della memoria.

Teodora Grano, Bruno Leggieri, 9' 44''

Il film trasforma una fabbrica abbandonata in un corpo vivente, dove canti e gesti risvegliano le betoniere come reliquie materiche di una memoria rimossa di precarietà delle condizioni lavorative. Il metallo vibra, si lascia toccare, e svela storie sepolte di maternità. In questo incontro tra materia e carne, lo spazio industriale diventa teatro di una metamorfosi sensibile di scoperta delle difficoltà sul mondo del lavoro.

Daria Greco, Ivan Gasbarrini, 13' 41''

Tra mercati, edifici razionalisti e spazi abbandonati di Ostia, un corpo si muove all’indietro, sovvertendo l’ideologia del progresso e abitando ciò che di solito resta fuori campo. Questo moto a ritroso ridefinisce lo spazio stesso attraverso un uso anatomico non convenzionale, mettendo in crisi un’architettura funzionalista che non conosce imprevisto.

Valeria Galluccio, 11' 32''

In un mondo sospeso sotto una pioggia di comete, ElleX attraversa lo spazio inclinato del desiderio, lasciando cadere perle luminose – la propria sostanza vitale. Comincia così un viaggio negli spazi virtuali di smaterializzazione del corpo, e sulle nuove forme di contatto. Dalla materia digitale nasce ElleY, il suo doppio. In un rituale di energia e di luce si fondono: digitare in fondo significa toccare, volerlo fare anche quando la realtà scompare.

gruppocorp3 collective, 2' 41''

In un paesaggio dove natura e tecnologia si intrecciano, delle giovani donne giocano tra le geometrie della natura, cercando spazi abitabili per pensarsi diversamente. I loro corpi – ponti tra biologie differenti – si fondono con le superfici di una natura che si dà e allo stesso tempo rimane ostinatamente opaca: specchio che disarticola ogni tentativo di narcisismo antropocentrico.

Federico Pipia, 7' 30''

Alla fine del mondo, un’entità postumana, plausibile mutante dell’Antropocene, ricalca le strategie involontarie di resistenza dei funghi: organismi marginali che crescono in paesaggi degradati collaborando con altre specie. Il soggetto cerca di venire al mondo in un futuro indefinito, proiettando le sue radici fuori dalla terra, nel tentativo di incarnarsi in un nuovo ecosistema possibile.

Alberto Brizioli, Eva Grieco, 8' 36''

In questa coreografia silenziosa, tesa tra sguardo e presenza, desiderio e reazione, un occhio anonimo si aggira tra le siepi di un parco e si posa su una donna. Ma quando lo sguardo si fa troppo evidente, codice di un voyeurismo che avviluppa la realtà per appropriarsene, ecco che il corpo risponde, si espone alla sfida, in una danza trasformativa che ribalta le posture spettacolari.

DEHORS/AUDELA, 10' 30''

La figura di una donna si perde dentro ad una depressione del terreno. Nello spazio tra le due montagne, la voragine è teatro del corpo, ventre della catastrofe, spazio sempre più onirico di un’ Arcadia che riaffiora tra le fenditure della terra e quelle dell’immaginario. Attraverso una insistita manipolazione ottica, il film interrompe la continuità dello spazio e del tempo per attivare l’interstizio di buio tra le immagini – la parte che il montaggio di solito nasconde.